[REC], de Jaume Balagueró y Paco Plaza

[REC], de Jaume Balagueró y Paco Plaza. 2007. ★★★★★ 28/12/2007. Yelmo Cineplex.

El Espía, de Billy Ray

El espía (Breach), de Billy Ray. 2007. ★★★★★ 27/12/2007. Yelmo Cineplex.

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Clausura

La selección de los miembros del jurado de un festival es un tema de una importancia en ocasiones infravalorada. Al fin y al cabo será ese jurado, con sus premios otorgados, quien se encargue de elegir aquellas películas que pasarán a relacionarse para siempre con el certamen y dependerá de lo atinado del palmarés el que esa relación sea más o menos afortunada.

Este año se anunciaba la presencia de Mychael Danna, el genial compositor de bandas sonoras tales como El Dulce Porvenir, pero el canadiense causó baja no explicada, por lo que la relación final de integrantes del Jurado Internacional se vio reducida al norteamericano Hal Hartley (director de filmografía irregular y que ha conocido tiempos mejores), las españolas Verónica Sánchez (actriz descubierta en Los Serrano) y Roser Aguilar (nueva realizadora con sólo un largometraje como bagaje) y el argentino Martín Rejtman. No puede decirse precisamente que hayan estado muy lúcidos a la hora de repartir premios, empezando por la ganadora, siguiendo por el de mejor dirección y acabando por los injustos olvidos.


Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla clausurando el Festival

Help Me Eros es una película de aspecto visual muy cuidado pero con muchos agujeros temáticos y narrativos en su interior. Excesivo se antoja su primer premio por mucha selección veneciana o nombres de prestigio que adornen sus créditos. Podría (malamente) entenderse su presencia en lo alto del palmarés si la Sección Oficial no hubiese ofrecido un puñado de títulos bastante superiores al filme taiwanés, que no es el caso. Más delito tiene aún premiar el trabajo de dirección, verbenera y folclórica, de Aleksei Balabanov en Cargo 200, ejemplo precisamente de película echada a perder por un mal trabajo de dirección.

No he visto las películas de ninguno de los intérpretes premiados pero se antoja injusto, por ejemplo, el olvido de la magnífica Ellen Page de Juno, completamente despreciada por el Jurado Internacional y el FIPRESCI y merecedora en cambio de la distinción del Jurado Joven. También hubiesen merecido mejor suerte títulos como Interview, Hallam Foe, Grace Is Gone o Joe Strummer, todos ellos ausentes del palmarés. Es especialmente llamativo que A Very British Gangster haya sido considerado mejor documental que éste último pero no deja de ser coherente con el delirio general.


Marisa Paredes, premio Nacho Martínez

Conocidos los premiados desde última hora de la mañana del sábado, no había pues muchas sorpresas que esperar para la gala de clausura. Prologada brillantemente por un concierto de Pedro Vigil sobre temas del ausente Danna, Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes fueron los responsables de conducir y amenizar una entrega de premios con notables deficiencias en la calidad del sonido y que supuso, entre otras cosas, un interminable desfile de banqueros y políticos como entregadores de premios, pudiendo comprobarse las grandes dificultades de algunos de ellos con el inglés. Por el escenario del Jovellanos fueron pasando algunos ganadores, muchos representantes de los mismos y también Marisa Paredes, distinguida con el premio Nacho Martínez que le entregó Fernando Lara.

Tras una inusualmente larga ceremonia y con el intervalo de tiempo justo para evitar los problemas de la inauguración, se proyectó la película Eagle vs. Shark, un magnífico filme escrito y dirigido por Taika Cohen que elevó varios enteros la media de estas ocasiones. Eagle vs. Shark es una comedia de tono ácido protagonizada por personajes delirantes en el umbral de lo posible pero tratados con cariño por un guión ajustado, una dirección siempre eficaz y un montaje y duración precisos.

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Palmarés

El Jurado Internacional de la 45 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por: Verónica Sánchez, Roser Aguilar, Hal Hartley y Martin Rejtman, ha concedido los siguientes premios a las películas participantes en la Sección Oficial:

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR LARGOMETRAJE
"Bang Bang Wo Ai Shen (Help me Eros)"
de Lee Kang-Sheng (Taiwan)
PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR CORTOMETRAJE:
patrocinado por: Technicolor
"Liudi iz kamnya (Stone People)" de Leonid Rybakov (Rusia)
PREMIO AL MEJOR DIRECTOR:
Aleksey Balabanov por "Gruz 200 (Cargo 200)" (Rusia)
PREMIO AL MEJOR ACTOR:
Mathieu Amalric por "La question humaine" (Francia)
PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ:
Marie-Christine Friedrich por "Tout est pardonné" (Francia)
PREMIO AL MEJOR GUIÓN:
Ariel Rotter por "El Otro" (Argentina/Francia/Alemania)
PREMIO "GIL PARRONDO" A LA MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA:
Antoine Platteau por "La question humaine" (Francia)
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO:
"El Silencio antes de Bach" de Pere Portabella (España)

PREMIO FIPRESCI
El Jurado formado por Dennis West, Nil Baskard y Violeta Kovacsics ha concedido el premio "FIPRESCI" a la película:
 "Cochochi" de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (México)

El Jurado Joven de la 45 Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por 50 jóvenes, de edades comprendidas entre los 17 y los 25 años, ha otorgado los siguientes premios:

PREMIO CAJASTUR DEL JURADO JOVEN AL MEJOR LARGOMETRAJE:
"Juno" dirigido por Jason Reitman (Estados Unidos)
PREMIO CAJASTUR DEL JURADO JOVEN, AL MEJOR CORTOMETRAJE:
"Le Mozart des pickpockets" dirigido por Philippe Pollet-Villard (Francia)

Los jóvenes espectadores de la sección "Enfants Terribles" han votado para otorgar los siguientes premios:

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE de la categoría 6 a 12 años:
patrocinado por: EL COMERCIO
"Förortsungar (Kidz in da Hood)" dirigido por Catti Edfeldt e Ylva Gustavson (Suecia)

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE de la categoría de 13 años en adelante:
patrocinado por: Consejería de Bienestar Social del Principado de Asturias
"This is England" dirigido por Shane Meadows (Reino Unido)

El Jurado de la sección "Día D'Asturies", Ruth Pombo, Víctor Guillot y José Ramón Pérez Ornia, ha concedido el premio "DÍA D'ASTURIES" al cortometraje:
patrocinado por: RTPA (Radio Televisión del Principado de Asturias)
"De Alpargates y Orbayando" dirigido por Iñaki Ibisate

El Jurado formado por Miguel Angel Pérez, Angel Quintana y Michael Thornton ha concedido el premio "NO FICCIÓN / DOCUMENTAL" al largometraje:
patrocinado por:   KARMA FILMS
"A Very British Gangster" dirigido por Donald MacIntyre (Reino Unido)
y mención especial a
"M" dirigido por Nicolás Prividera (Argentina)

El Jurado del PREMIO NUEVOS REALIZADORES DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS, convocado por la Consejería de Cultura del Principado de Asturias, a través del Instituto Asturiano de la Juventud, y Cajastur, y formado por Rosa Martínez, Alain Fernández, José Vega, Guillermo Martínez y José Luis Cienfuegos, ha concedido sus premios a los siguientes proyectos:

Primer Premio:
"La Presa" presentado por Jorge Rivero
Segundo Premio:
"Casa" presentado por Diego Llorente

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Día 9

Esbilla. Lo Mejor De Mí, de Roser Aguilar
Sección Oficial. Hallam Foe, de David Mackenzie
Sección Oficial. Interview, de Steve Buscemi



La catalana Roser Aguilar forma parte del Jurado Internacional de la 45ª edición del Festival de Gijón. Coincidiendo con esta presencia se proyecta dentro de la sección Esbilla su primer y único largometraje rodado hasta la fecha, la todavía inédita comercialmente Lo Mejor De Mí. Se trata de una película de corte intimista que cuenta la historia de una joven pareja, aparentemente feliz, y cuya relación sufre una sacudida cuando a él, un deportista de élite, se le detecta un grave problema en el hígado y su vida pasa entonces a depender de un transplante.


Marián Álvarez y Juan Sanz en Lo Mejor De Mí

Un tratamiento bastante equilibrado, aunque algo lineal, del argumento durante la mayor parte del metraje acaba rompiendo dicha linealidad para desembocar en una conclusión bastante arbitraria y poco justificable. La interpretación de Marián Álvarez, galardonada en Locarno y vista anteriormente en Gijón en el corto de Haritz Zubillaga Las Horas Muertas, es con bastante diferencia lo mejor de la función, bien secundada por el veterano Lluis Homar y no tanto por Juan Sanz, protagonista masculino de un trabajo apreciable aunque no acabe de ser redondo.



Jamie Bell alcanzó la fama hace siete años con la taquillera Billy Elliot. Un Bell ya crecido y casi adulto protagoniza ahora Hallam Foe, la adaptación del original literario de Peter Jinks que ha dirigido David Mackenzie y que fue recibida ayer con abundantes aplausos en su proyección en el Teatro Jovellanos. Hallam Foe es el nombre del personaje principal que interpreta Bell, un chico introvertido que no ha superado la muerte dos años atrás de su madre y de la que culpa a su joven madrastra. Tras huir apresuradamente del hogar paterno llega a Edimburgo, donde conocerá a una joven que parece ser el vivo retrato de la fallecida.


Jamie Bell y Sophia Myles protagonizan Hallam Foe

David Mackenzie logra aquí un excelente trabajo, con una estupenda recreación de los escenarios y ambientes oscuros de la ciudad y con grandes interpretaciones de todo el reparto en una cinta que funde con asombrosa naturalidad el mundo casi fantástico del protagonista con su inmersión traumática en la realidad. Hallam Foe es indudablemente uno de los mejores títulos de la competición aunque, con casi total seguridad, tampoco se verá reflejado en el palmarés final del certamen.



Hace ya algunos años que el norteamericano Steve Buscemi empezó a alternar su presencia delante y detrás de las cámaras. Con su cuarto largometraje, Interview, de la que también firma el guión en compañía de Theodor Holman, propone un arriesgado ejercicio narrativo para el que emplea durante casi todo el metraje apenas dos intérpretes y un único espacio. Una concepción casi teatral al servicio de un juego de gato y ratón entre un curtido corresponsal de guerra venido a menos que debe cumplir el encargo de entrevistar en contra de su voluntad a una joven actriz de fama quién sabe si efímera.


Steve Buscemi bailando con Sienna Miller en Interview

Al Buscemi actor le da réplica una inesperadamente brillante Sienna Miller a la que el ingenioso guión concede una inmejorable ocasión de lucimiento y que ésta sabe aprovechar. Interview es un muy buena película con la que redondear admirablemente una dignísima Sección Oficial.

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Día 8

Shinya Tsukamoto. A Snake Of June, de Shinya Tsukamoto
Esbilla. Irina Palm, de Sam Garbarski

La completa retrospectiva que se viene dedicando en el Festival Internacional de Cine de Gijón al realizador japonés Shinya Tsukamoto alcanzó ayer su punto culminante con el encuentro con el público del director. Tsukamoto, que demostró ser en persona mucho más cordial y accesible que el grueso de su filmografía, respondió a las preguntas de los asistentes a la proyección de A Snake Of June, película del año 2002 con premios en Venecia y Sitges.



A Snake Of June comparte estilo y temática con otros títulos de la carrera del cineasta, está rodada en un atípico blanco y azul y cuenta una historia de celos y obsesión de una forma tan excesiva como es habitual en el autor de Tetsuo. Narra como una pareja cae en el juego en que un inesperado acosador somete a la chica. Bajo la lluvia que cae permanentemente sobre el Tokio pesadillesco en que transcurre la acción, Tsukamoto, aquí director e intérprete, somete a sus personajes a un castigo tanto físico como moral en un trabajo que acaba por resultar algo cansino.

También ayer se proyectó A Golpe De Tacón, cortometraje de Amanda Castro sobre un episodio de la represión franquista centrado en la figura de Ana Sirgo, detenida y torturada durante la huelga minera de 1963. Sirgo, presente en una sala abarrotada para la ocasión, rehusó hablar por su nerviosismo. Sí lo hicieron la directora y las productoras de un corto protagonizado por Cristina Marcos y que, más allá de sus buenas intenciones, tampoco aporta ninguna novedad a una temática ya excesivamente manoseada.


Marianne Faithfull en Irina Palm

Buena parte de los asistentes abandonó de forma ruidosa la sala cuando comenzó la emisión de Irina Palm, filme de Sam Garbarski protagonizado por Marianne Faithfull y seleccionado para la pasada edición del Festival de Berlín. Irina Palm cuenta los esfuerzos que realiza una abuela para conseguir el dinero que permita costear el tratamiento médico que precisa su nieto.

Cine de buenas intenciones, como no podía ser menos para redondear el programa de la sesión, rodado con cierto talento para la descripción de personajes, con mención especial para los interpretados por Faitfull y por el serbio Miki Manojlovic, y que consigue sobreponerse parcialmente a las limitaciones iniciales de su propuesta argumental para acabar resultando una agradable sorpresa.

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Día 7

Nuevo Cine Alemán. Alicia En Las Ciudades, de Wim Wenders
Esbilla. A Very British Gangster, de Donal MacIntyre



El Festival Internacional de Cine de Gijón viene ofreciendo desde hace varias ediciones una sección llamada Nuevos Cines dedicada a las corrientes renovadoras de las cinematografías de diversas nacionalidades, por lo general enmarcadas en las décadas de los 60 y 70. En la presente edición le toca el turno al Cine Alemán y en los días pasados han podido verse en Gijón algunos de los siguientes títulos:

Aguirre o la cólera de Dios, de Werner Herzog
Alemania en otoño, de Alf Brustellin, Hans Peter Cloos, Rainer Werner Fassbinder, Alexander Kluge, Maximiliane Mainka, Beate Mainka-Jellinghaus, Edgar Reitz, Katja Rupé, Volker Schloendorff, Peter Schubert y Bernhard Sinkel
Crónica de Anna Magadalena Bach, de Jean-Marie Straub
El amor es más frío que la muerte, de Rainer Werner Fassbinder
El embrutecimiento de Franz Blum, de Reinhard Hauff
El segundo despertar de Krista Klages, de Margarethe von Trotta
Escenas de caza en la Baja Baviera, de Peter Fleischmann
Falso movimiento, de Wim Wenders
La consecuencia, de Wolfgang Petersen
La muerte de María Malibrán, de Werner Schroeter
La mujer zurda, de Peter Handke
La repentina riqueza de los pobres de Kombach, de Volker Schlöndorff
La veda del zorro, de Peter Schamoni
Las amargas lágrimas de Petra von Kant, de Rainer Werner Fassbinder
Lo mejor de la vida, de Ulrich Schamoni
Ludwig: réquiem por un rey virgen, de Hans-Jurgen Syberberg
No son perversos los homosexuales, sino la situación que viven, de Rosa von Praunheim
Signos de vida, de Werner Herzog
Una muchacha sin historia, de Alexander Kluge


Imagen de Alicia En Las Ciudades

Wim Wenders aún no había cumplido 30 años cuando en 1974 estrenó Alicia En Las Ciudades, estupenda y atípica road-movie que anticipa en casi una década ciertos aspectos que retomaría posteriormente en la gran Paris, Texas. En esta ocasión, el autor de El Cielo Sobre Berlín narra la curiosa relación paterno-filial que se establece entre un periodista alemán y la hija pequeña de una chica que éste conoce por azar en un aeropuerto norteamericano. Abandonados ambos a su surte por diferentes motivos, Phil y Alice viajarán juntos de Nueva York a Amsterdam y pasarán varios días a la deriva en busca de la casa de la abuela de la niña.

Película reposada y tranquila, tocada con el talento habitual que mostraría Wim Wenders en el futuro a lo hora de componer planos y secuencias de inusitada belleza, Alicia En Las Ciudades se sostiene en buena medida gracias a las grandes creaciones de sus dos protagonistas, Rüdiger Vogler y la pequeña Yella Rottländer, para acabar resultando uno de los más interesantes títulos de la irregular pero fascinante filmografía de su realizador.


Alicia En Las Ciudades. Trailer.

A Very British Gangster es un estimable documental dirigido por el británico Donal MacIntyre sobre la poco edificante figura de Dominic Noonan, un mafioso de ámbito local en Manchester y actualmente en prisión por posesión ilegal de armas de fuego. Noonan empezó como portero de discoteca y de ahí fue subiendo peldaños. Se muestra sincero ante las cámaras y reconoce, entre otras cosas, su condición homosexual, propiciada por sus muchos años pasados en prisión, aunque en el camino ha ido aportando nuevos Noonan a la familia. Su hermano Desmond, asesinado a navajazos antes de la finalización del rodaje, comparte protagonismo con Dominic.

MacIntyre, cuyo trabajo se vio reconocido con el Gran Premio del 25º Festival de Cine Policiaco de Cognac, se sirve de un montaje rápido, de las conversaciones de tono casi intimista con Noonan y de la voz en off para retratar al protagonista y su entorno. Como no podía ser menos, se incluyen en la banda sonora del filme varios temas de la banda musical más representativa de la ciudad. Suenan en A Very British Gangster temas de Oasis tales como Let There Be Love, Little By Little o el clásico Wonderwall.



El pase de la película en los Cines Centro resultó de lo más accidentado por problemas de sonido supuestamente achacables a la copia ofrecida. Finalmente se proyectó con las citadas deficiencias sonoras que curiosamente fueron solucionándose casi de forma milagrosa mediado el metraje de la cinta.

45 Festival Internacional de Cine De Gijón - Día 6

Sección Oficial. Fuera De Competición.
Loren Cass, de Chris Fuller
Fay Grim, de Hal Hartley

La Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Gijón ofrecía ayer dos títulos fuera de competición. El primero de ellos era el debut de un director norteamericano llamado Chris Fuller, rodado en 16mm. y elogiosamente presentado en el programa de mano del certamen. El segundo, Fay Grim, el último filme de Hal Hartley, un realizador consagrado e integrante del Jurado Internacional de esta edición.


Un fotograma de Loren Cass, de Chris Fuller

Loren Cass rápidamente aclara sus intenciones o, mejor dicho, la confusión de las mismas. Resulta bastante desconcertante que una película de estas características, apenas un trabajo de fin de carrera, totalmente amateur, mal rodado, peor iluminado y, lo que es más grave, con poco o nada que contar, acabe colándose dentro de un festival de prestigio e incluso en su Sección Oficial. Loren Cass pretende narrar el aburrimiento existencial de unos jóvenes de una pequeña localidad norteamericana de esas en las que nunca pasa nada. Desgraciadamente, Fuller transmite aburrimiento y nada más que aburrimiento al incauto espectador. Había otras opciones en la misma franja horaria y Loren Cass seguramente fue la peor de todas ellas.


Jeff Goldblum y Parker Posey en Fay Grim

Hal Hartley se ganó su prestigio hace casi veinte años y desde entonces ha vivido de unas rentas que se antojan excesivas. Su último cine está muy lejos de las bondades de aquel que le otorgó el favor de la crítica y con Fay Grim, especie de secuela de Henry Fool, tampoco ha recuperado su mejor forma. Probablemente Henry Fool, bien acogida en su tiempo, no merecía una continuación pero Fay Grim resulta sorprendente por cuanto se apoya en dos puntos que nadie consideraría los fuertes del director de Amateur como son su facilidad para el cine de género, de espías en este caso, y su sentido del humor.

Si en lo primero Fay Grim ya chirría bastante, el sentido de humor o la ausencia del mismo en Hartley produce un efecto completamente opuesto al perseguido cuando pretende crear situaciones cómicas. Finalmente, Hartley tampoco parece ser consciente de lo pesado que puede llegar a resultar y extiende el metraje de sus películas más allá de la sensato. Dos horas justas necesita aquí para dar muchos rodeos y no llegar a ninguna parte en esta aventura imposible protagonizada por Parker Posey.

45 Festival Internacional de Cine De Gijón - Día 5

Sección Oficial. Help Me Eros, de Lee Kang-sheng
Sección Oficial. Grace Is Gone, de James C. Strouse

La quinta jornada del Festival Internacional de Cine de Gijón ofrecía como principal punto de interés dos títulos de la Sección Oficial a concurso. No siempre este interés inicial suele llevar aparejado unas películas que finalmente lo justifiquen, aunque en esta ocasión las expectativas se cumplieron al cincuenta por ciento. Si bien la taiwanesa Help Me Eros resultó un filme irregular, a ratos feísta, a ratos preciosista pero casi siempre aburrido, la norteamericana Grace Is Gone supuso toda una revelación y resultó uno de los mejores trabajos vistos en lo que va de certamen, aunque las experiencias del pasado predicen que probablemente no estará en el palmarés final del sábado.



Lee Kang-sheng es un actor habitual de las películas de Tsai Ming-liang, a quien Gijón dedicó una completa retrospectiva hace pocos años. La segunda realización de Kang-sheng, recientemente seleccionada para el Festival de Venecia, parece guardar algunos puntos en común con el cine de su maestro y abunda en ese estilo marcado por la escasez de diálogos y las secuencias pausadas y contemplativas. Cuenta la desconcertante caída a los infiernos de un antiguo ejecutivo tras lo que parece la pérdida de su trabajo y el abandono de su pareja. Y parece porque la película, pese a su premiosidad, es notablemente confusa y en ocasiones dispersa en su articulación, incluyendo su ambiguo plano final.

Kang-sheng filma con cierta brillantez los opresivos escenarios urbanos en que se ambienta la acción y su película, de morboso erotismo, cobra fuerza en varias ocasiones, aunque casi siempre acaba desperdiciando sus mejores momentos por culpa de sus numerosos tiempos muertos carentes de sentido y que poco aportan en ciertas alturas de la película. Por todo ello, el resultado final es notablemente decepcionante aunque la predilección por lo exótico que muestran los integrantes de los jurados aconseja no descartarla a la hora del reparto de premios.


John Cusack protagoniza Grace Is Gone

Grace Is Gone, del novel realizador James C. Strouse, es un espléndido trabajo que indaga brillantemente en los sentimientos de pérdida y desolación. Tras recibir la noticia del fallecimiento de su esposa, soldado en Iraq, el personaje interpretado por un gran John Cusack, incapaz de comunicárselo a sus dos hijas pequeñas, emprende con ellas un improvisado viaje hacia un parque temático en Florida al tiempo que él mismo intenta asimilar la situación. Durante el camino, con el breve paréntesis en el hogar materno y el encuentro con su díscolo hermano menor, apenas nada ni nadie interfiere con el trío protagonista.

James C. Strouse, también firmante del guión, se basta y sobra con sólo esos tres personajes para construir el poderoso entramado narrativo del filme. Cuenta para ello con el excepcional trabajo interpretativo no sólo del mencionado John Cusack sino también de las dos niñas, las debutantes Shélan O'Keefe y Gracie Bednarczyk y también de la soberbia partitura compuesta para la ocasión por el gran Clint Eastwood. Quizá alguien pueda injustamente acusar a Grace Is Gone de falta de un mayor compromiso político, apenas esbozado en un par de momentos del metraje, pero la película elige acertadamente no explorar el camino fácil. Grace Is Gone no ofrece sermones ni conclusiones irrefutables, tan sólo muestra a unos seres humanos que han sufrido una pérdida irreparable y que se sobreponen a ella. Nada más y nada menos.

45 Festival Internacional de Cine De Gijón - Día 4

Sección Oficial. Juno, de Jason Reitman
Shinya Tsukamoto. Tokyo Fist, de Shinya Tsukamoto
Llendes. Pas A Nivell, de Pere Vilà i Barceló



Jason Reitman es hijo de Ivan Reitman. Ivan Reitman no es el director de Atrapado Por Su Pasado, tal como ayer erróneamente publicaba el periódico oficial del Festival. El director de esa gran película protagonizada por Bill Murray es Harold Ramis. Ivan Reitman es director, entre otros muchos títulos de una poco decorosa filmografía, de Cazafantasmas. Su hijo Jason estrenó en España no hace muchos meses su primera película, Gracias Por Fumar, y ahora presenta Juno, que se incorporó a última hora a la Sección Oficial competitiva de Gijón 2007.


Ellen Page y Michael Cera en Juno

Juno viene precedida por varios premios en diferentes festivales (Premio del Público en Toronto y Gran Premio en Roma) y cuenta con el protagonismo estelar de la joven Ellen Page, la revelación de Hard Candy. Aquí Page interpreta a una adolescente que decide seguir adelante con su inesperado embarazo ofreciendo el bebé a una pareja aparentemente modélica incapaz de concebir. El estilo como realizador de Jason Reitman, afortunadamente, dista bastante del de su padre y Juno es un muy solvente trabajo narrativo, apoyado en las estupendas interpretaciones de todo su reparto, y visualmente muy brillante, virtudes que acaban haciendo olvidar lo conservador de su discurso y que hicieron al filme merecedor de una larga ovación por parte del público asistente.


Una imagen de Tokyo Fist, de Shinya Tsukamoto

El Festival de Gijón dedica retrospectiva al realizador japonés Shinya Tsukamoto, célebre autor de las cult-movies de comienzos de la pasada década Tetsuo y Tetsuo II. Tsukamoto es también el protagonista principal del excesivo torrente de adrenalina, golpes y sangre en erupción que acaba siendo Tokyo Fist. Un convencional oficinista enloquece cuando un antiguo compañero de juventud, ahora boxeador profesional, intenta seducir a su mujer. Los celos actúan en el filme de Tsukamoto como el motor de la transformación física y mental del protagonista en un carrusel progresivamente más descerebrado.


Fotograma de Pas A Nivell, de Pere Vilà i Barceló

Pas A Nivell, ubicada en la sección Llendes, es el primer largometraje del catalán Pere Vilà i Barceló. Película totalmente amateur, rodada en vídeo de alta definición con la intervención de casi toda su familia y cuya única copia en 35mm. se hizo expresamente para su proyección en Gijón, Pas A Nivell dice inspirarse en el cine de Hsiao-hsien Hou y ofrece durante una duración quizá excesivamente alargada las andanzas, generalmente anodinas y desprovistas de interés, de un joven recién titulado que se enfrenta al que será su último verano como estudiante. Su trabajo en un centro de veraneo o su relación con su abuela ocupan buena parte del entramado de una película que provocó abundantes deserciones durante la proyección y cuyo coloquio posterior se vio reducido a la mínima expresión ante la ausencia casi total de público en la sala.

45 Festival Internacional de Cine De Gijón - Día 3

Sección Oficial. Joe Strummer: The Future Is Unwritten, de Julien Temple
En La Ciudad De Sylvia, de José Luis Guerín



Julien Temple regresa al Festival de Gijón siete años después de su estupendo documental The Filth and The Fury y en esta ocasión lo hace dentro de la Sección Oficial a concurso y con otro documental bastante emparentado con aquel por cuanto se centra en la figura de Joe Strummer, el que fuera líder de The Clash, compañeros generacionales de los Sex Pistols y verdadero grupo insignia del punk británico. Temple, un director con un estilo efectista y algo torpe cuando se adentra en terrenos de ficción, vuelve a demostrar que se convierte en maestro en el campo documental y Joe Strummer: The Future Is Unwritten es prueba de ello.

Julien Temple ofrece un recorrido por la vida de Strummer, desde su infancia hasta su fallecimiento, ocurrido en el año 2002 a la edad de 50 años. El suicidio de su hermano mayor adolescente, la gestación de The Clash, el ascenso a la fama y el reconocimiento, tanto en el Reino Unido como en EE.UU., el progresivo deterioro de las relaciones personales entre los miembros de la banda, la pérdida de horizontes y la depresión que Joe Strummer sufrió cuando The Clash llegó a su fin y el posterior reencuentro del cantante y guitarrista consigo mismo, todo ello está narrado con el ritmo vibrante habitual en Temple. El director de Absolute Beginners utiliza abundante material de archivo que funde con imágenes de animación y con testimonios de una amplia galería de personajes, que incluye a Bono, Matt Dillon, Steve Buscemi o Jim Jarmusch entre otros muchos.


Xavier Lafitte y Pilar López de Ayala en En La Ciudad De Sylvia

José Luis Guerín, en cambio, es un artista. Al menos él tiene esa concepción de sí mismo y parece encantado de haberse conocido. En la presentación de su filme En La Ciudad De Sylvia ya dio buena prueba de ello y consiguió llenar de pedantería y tiempos muertos una alocución de apenas unos minutos, lo que ya avanzaba el estilo de su último trabajo y, en general, de toda su filmografía.

En La Ciudad De Sylvia, avisó, es una película no narrativa. Ciertamente no lo es, igual que no es otras muchas cosas. En realidad Guerín se limita aquí a poner una camara en medio del recorrido de un personaje que se dedica a seguir a una chica (Pilar López de Ayala) durante casi una hora para comprobar que no es aquella que busca. Con una casi total ausencia de diálogos, José Luis Guerín demuestra que al menos es sincero y su película da aquello que promete, independientemente de que con ello tenga algún interés. En su favor hay que decir que consigue en ocasiones llegar a intrigar y crear una cierta expectación por lo que ocurrirá, algo que se derrumba en un final aleatorio y gratuito que convierte en pérdida de tiempo todo lo anterior.

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Día 2

Sección Oficial. Cargo 200, de Aleksei Balabanov
Pawel Pawlikowski. My Summer Of Love, de Pawel Pawlikowski

La primera jornada completa del Festival de Gijón ofrecía tres títulos a concurso dentro de la Sección Oficial y el encuentro con el público de uno de los realizadores homenajeados en esta edición, el polaco afincado en Gran Bretaña Pawel Pawlikowski, con la proyección de su último trabajo, My Summer Of Love.



El pase del largometraje ruso Cargo 200, de Aleksei Balabanov, se vio precedido por el del corto español, también a concurso, Las Horas Muertas, de Haritz Zubillaga, ejercicio de estilo con vacuas ínfulas tarantinianas y alegóricas que se acaba quedando en muy poquita cosa.

Cargo 200 supuso una pequeña gran decepción. Uno de los títulos más interesantes en un principio de la Sección Oficial, con su presumiblemente brillante recreación de una época histórica y socialmente convulsa y su argumento escabroso y desasosegante, acaba convirtiéndose en apenas un panfleto tendencioso y maniqueo en sus objetivos y efectista, tremendista, sensacionalista y muchas otras cosas negativas y acabadas en -ista en su aspecto exclusivamente cinematográfico.


Fotograma de la película Cargo 200

Balabanov tiene entre manos una historia real y decide no tanto narrarla como sacar conclusiones. Ocurre, sin embargo, que estas conclusiones son tan toscas y bastas como su estilo fílmico y todo en Cargo 200 tiene trazo grueso, desde esos escenarios urbanos y rurales ruinosos que tratan de ejemplificar la ruina del comunismo soviético, como sus personajes no menos ruinosos en lo moral que son, siempre según el discurso de Balabanov, una consecuencia de lo anterior. Resulta imposible tomarse nada en serio Cargo 200 por cansina, repetitiva y explotadora hasta la náusea de recursos facilones.


Emily Blunt en My Summer Of Love

Pawel Pawlikowski tiene una carrera cinematográfica aún corta y que se centró en sus inicios en el campo documental. Su paso a la ficción se produjo a finales de la pasada década y con The Last Resort obtuvo el Premio a la Mejor Película en el Festival de Gijón. Pawlikowski vuelve ahora a la ciudad con motivo de la retrospectiva que le dedica el certamen y con su última realización, My Summer Of Love, una adaptación parece que muy libre de la novela de Helen Cross, según las propias palabras del director en el coloquio posterior. La maestría de su trabajo, sin embargo, permite afirmar que tal libertad en la adaptación literaria supuso un acierto.

Mona y Tamsin son dos jóvenes de extracción social opuesta que se conocen durante el verano más caluroso de la historia de Inglaterra e inician una relación con la que ambas buscan escapar de su frustrante realidad cotidiana. Sin embargo, tal como se revelará después, las motivaciones de cada una son muy diferentes. El estilo tranquilo de Pawlikowski encaja perfectamente en una historia contada con pulso y que contrasta profundamente con el estilo del filme comentado más arriba. Perfectamente punteada por la acertada selección musical, My Summer Of Love es un trabajo brillante que ennoblece cualquier filmografía.

45 Festival Internacional de Cine de Gijón - Inauguración

Spot del 45ª Festival de Cine de Gijón

La pasada noche arrancó una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Gijón y lo hizo manteniendo las constantes habituales de estas ocasiones, tanto las positivas como, sobre todo, las negativas. Con las entradas agotadas casi desde el momento en que se pusieron a la venta, con la excesivamente restrictiva limitación a dos por persona, y con la presencia sobre el escenario del James Taylor Quartet, a las 20:30 horas se alzó el telón del Teatro Jovellanos. Después de la un tanto cansina intro musical, apareció el maestro de ceremonias, Javier Veiga, quien poco a poco iría desgranando su repertorio acartonado, seguramente muy apropiado para una fiesta de prau pero no tanto para un festival de cine que hace orgullo de su undergroundismo gafapasto y alternativo.


Javier Veiga sobre el escenario del Teatro Jovellanos

Con una línea cómica a medio camino entre el más puro Arévalo y Matrimoniadas, el gallego se fue creciendo según veía que el público asistente se lo pasaba bien con sus gracias, igual que se lo pasa bien el público que acude a esas fiestas en las que se tira a una cabra de un campanario o se prende fuego a las astas de un toro. El Teatro Jovellanos coreó servil las ocurrencias del inefable presentador y siguió disfrutando cuando éste dio paso a dos de los miembros del Jurado Internacional, Roser Aguilar y Hal Hartley.

El realizador norteamericano fue objeto también de la ironía y el humor de alta graduación de Javier Veiga. Si poco antes había contado un chiste de tartajas, quizá como un homenaje a su maestro en esto del humor inteligente, en ese momento consideró oportuno hacer mofa de la filmografía del director de Henry Fool. Obviamente, ni Veiga ni el público de ayer del Jovellanos tienen la más remota idea de quién es Hal Hartley pero si el Festival le dedicó hace cuatro años una retrospectiva y en esta edición lo eligió como presidente del Jurado supongo que no sería únicamente porque su nombre parezca sacado de una actuación de Chiquito de la Calzada, gracia de NIVELÓN que, por supuesto, no dejó escapar el que fuera presentador de El club de la comedia.


Hal Hartley, ajeno a los chascarrillos del presentador

Veiga, que además de graciosete profesional también es director de cortometrajes, comparte la cosa polifacética y multidisciplinar con Fernando Fernán Gómez, que en paz descanse, y a quien el gallego quiso recordar en tan oportuno momento. Pero lo hizo a su manera, claro, y centrándose en esa expresión que tanta fama le dio en el final de su vida: ¡A LA MIERDA! Ahí exactamente era donde quizá debieran mandar a Veiga y donde indudablemente debieran mandar a la multitud de infraseres que abandonaron el entresuelo finalizada la presentación para regresar cuando ya se había iniciado la proyección del cortometraje Hotel Chevalier de Wes Anderson.

Probablemente la organización del Festival no tiene la culpa de que exista un problema grave de falta de educación del público asistente pero lo que sí se le debe exigir es que cumpla aquello que promete, es decir: "Por respeto al resto de los espectadores, no se permitirá la entrada una vez comenzada la sesión". No es ya que estuviera empezada la sesión cuando auténticas ríadas de personas seguían aún buscando su sitio en la oscuridad, es que incluso había finalizado el corto (del que resulta imposible hacer ninguna valoración, dadas las circunstancias en que se proyectó, incluida la ausencia de subtítulos durante los primeros diálogos) y empezado el largo y la gente seguía entrando de forma incesante. Un aspecto bochornoso que la organización haría bien en corregir para posteriores ediciones.


Una imagen de The Darjeeling Limited

Pese a lo difícil que resultaba abstraerse de ese ambiente altamente desaconsejable para ver una película, The Darjeeling Limited resultó un agradable trabajo del firmante de The Royal Tenenbaums. Sin llegar a las cotas de maestría de esta última, aunque bastante superior al irregular desvarío anterior de Life Aquatic, Anderson reincide en su típico retrato de familias desestructuras y estrafalarias con el que ha labrado el grueso de su aún corta filmografía. Jason Schwartzman, Adrien Brody y el imprescindible Owen Wilson interpretan a tres hermanos que se embarcan en un viaje a la India, al encuentro de su madre (Anjelica Huston), para tratar de recuperar sus lazos familiares. Por el camino las cosas entre ellos se tuercen unas cuantas veces y se enderezan otras tantas en busca de ese final catártico marca de la casa.



The Darjeeling Limited, filme altamente apropiado para la inauguración, se encuadra en la Sección Oficial a concurso, donde podremos encontrar también los siguientes títulos:

Ben X, de Nic Balthazar. Bélgica. 2007
Cargo 200, de Aleksey Balabanov. Rusia. 2007
Cochochi, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas. México. 2007
El Otro, de Ariel Rotter. Argentina, Francia, Alemania. 2007
El Silencio Antes De Bach, de Pere Portabella. España. 2007
Ex Drummer, de Koen Mortier. Bélgica. 2007
Ghosts Of Cité Soleil, de Asger Leth. Dinamarca. 2006
Grace Is Gone, de James C. Strouse. Estados Unidos. 2006
Hallam Foe, de David Mackenzie. Reino Unido. 2007
Help Me Eros, de Lee Kang-sheng. Taiwan. 2007
Import / Export, de Ulrich Seidl. Austria. 2007
Interview, de Steve Buscemi. Estados Unidos. 2007
Joe Strummer: The Future Is Unwritten, de Julien Temple. Reino Unido, Irlanda. 2007
Juno, de Jason Reitman. Estados Unidos. 2007
La France, de Serge Bozon. Francia. 2007
La Question Humaine, de Nicolas Klotz. Francia. 2007
Tout Est pardonné, de Mia Hansen-Løve. Francia, Austria. 2007
Viaje A Darjeeling, de Wes Anderson. Estados Unidos. 2007

La 45ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, además de las habituales secciones Enfants Terribles, Universo Media, No nos cuentes películas... ¡Hazlas!, dedica este año ciclos y retrospectivas a Anna Biller, Carlos Reygadas, Danielle Arbid, John R. Dilworth, Pawel Pawlikowski y Shinya Tsukamoto.


Anne Biller, a quien el Festival dedica ciclo

52ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (II)

La 52ª Semana Internacional de Cine de Valladolid dio comienzo el pasado viernes con una sensible mejora en el proceso de compra entradas por internet, estrenado ya el año anterior y que entonces dejó mucho que desear. La organización del festival, casi siempre por debajo de su prestigio, ha mejorado sustancialmente en esta edición y por fin parece haber descubierto las ventajas del subtitulado electrónico y se han desterrado, esperemos que para siempre, los anacrónicos auriculares, tan habituales en sus salas hasta hace bien poco.


Una imagen de Blind, de Tamar van den Dop

Tras el pase inaugural de Persépolis, la primera jornada de Seminci ofrecía la proyección de la película holandesa Blind, de la directora Tamar van den Dop. Encuadrada en la sección Punto de Encuentro, Blind es un trabajo esteticista y edulcorado que agota pronto la única idea en que apoya toda su construcción. Ruben es un joven ciego de difícil carácter que vive con su madre en un solitario caserón en un páramo perpetuamente cubierto de nieve. La llegada a la casa de Marie, una nueva lectora con un pasado también problemático, no sólo consigue calmar el temperamento irascible y arisco del protagonista sino que da inicio a una historia de amor entre ambos complicada posteriormente por un tratamiento novedoso de la ceguera que puede devolverle la visión al primero. Sin más progresión narrativa que la que se deriva de su simplista argumento, con sólo cuatro personajes con los que llenar el extenso metraje, Blind se ve con progresivo distanciamento y escasa emoción, que se hacen más acusados en un final innecesariamente alargado y un tanto arbitrario.


Persépolis, de Marjane Satrapi

Por su parte, la película que inauguró la Seminci, la francesa Persépolis, es un más que brillante filme de animación que, como ya se ha apuntado en entradas anteriores, se basa en el cómic autobiográfico homónimo de la autora, la iraní Marjane Satrapi. Persépolis cuenta con un magnífico arranque que pone en situación personajes, entorno e historia de una forma admirable. A finales de los años setenta Teherán vive una situación política convulsa. La caída del Sha, la llegada de los islamistas al poder y las purgas hechas en el camino están narradas espléndidamente a través de los ojos de la niña protagonista. El nivel de inspiración se mantiene notablemente alto durante buena parte de un metraje que, sin embargo, se acaba revelando excesivo en el tramo final de una historia que peca en ocasiones de cierto ombliguismo por parte de una autora que parece considerar necesario remarcar cada incidente ocurrido en su vida aun cuando éste no sea merecedor de ello. Un pequeño defecto en un título brillante que apuntaba a cotas aún más altas en su inicio.



El director japonés Yoji Yamada opta a la Espiga de Oro con su filme Bushi No Ichibun (Love and Honor). Esta historia de samurais y venganzas cumplidas, excesivamente alargada y que constriñe la acción a prácticamente dos únicos escenarios y cuatro personajes, recibió, sin embargo, reacciones entusiastas por parte del público asistente a la proyección.

Poco después, el festival presentó en la sección oficial competitiva el último trabajo del veterano realizador asturiano Gonzalo Suárez. Él mismo, junto al productor Juan Gona, los actores Carmelo Gómez y Alberto Jiménez y las actrices Barbara Goenaga, Maribel Verdú y Aitana Sánchez-Gijón presentaron la película en la tarde del sábado en el Teatro Calderón. Tanto despligue escénico hubiera merecido un filme de más altura porque lo cierto es que Oviedo Express es un despropósito de proporciones mayúsculas de principio a fin, un esperpento que bucea siempre en las procelosas aguas del ridículo y que encima se extiende en una duración que se hace eterna. Es una de esas películas que no hay por dónde cogerlas. Parece tratarse de una comedia pero si es así no hace gracia y como drama no acaba de funcionar nunca por lo grotesco y absurdo de su historia y situaciones. Anuladas otras posibildades, queda únicamente como constatacion de la decadencia de su director y del atractivo físico de sus actrices protagonistas, con mención especial para la joven Bárbara Goenaga, que hacen lo posible con unos personajes imposibles.


Trailer de Oviedo Express, de Gonzalo Suárez

Inmediatamente antes, también en la sección oficial a concurso, se proyectó el cortometraje Triángulos, de la directora local Eliazar, estrafalario y bochornoso complemento a una sesión delirante.

El tercer día de Seminci ofrecía el estreno del último trabajo de Wong Kar Wai, cineasta habitual de un festival que le ha dedicado en ediciones pasadas una retrospectiva y que ha estrenado en España sus dos últimos trabajos, la confusa y brillante 2046 y esta My Blueberry Nights, desembarco del director de Hong Kong en la industria norteamericana con rodaje e intérpretes de dicho país. La película supone también el debut como actriz, en una estimable primera interpretación protagonista, de la cantante Norah Jones. Jude Law, Rachel Weisz, David Strathairn y Natalie Portman completan un reparto de campanillas para un filme que sigue los parámetros totalmente reconocibles dentro del cine de su director.


Norah Jones y Natalie Portman en My Blueberry Nights

Un Nueva York nocturno y en ocasiones algo sórdido sirve de escenario a unos personajes desorientados que se alejan y se encuentran en un argumento circular con tramos de road movie que cubre sus estaciones a golpe de canciones y secuencias brillantes. Buen trabajo interpretativo del conjunto, especialmente por parte de un gran Strathairn que aporta gran magnetismo a su breve aparición. My Blueberry Nights fue recibida en el pasado festival de Cannes sin excesivo entusiasmo. Quizás acuse demasiado la sensación de pérdida de originalidad por parte de su autor pero aún con esas sigue siendo un más que estimable ejercicio narrativo y emocional que mantiene buena parte de la brillantez formal y conceptual del firmante de Chungking Express.

52ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (I)

Una año más, la Semana Internacional de Cine de Valladolid abre sus puertas. La popular Seminci inaugurará su quincuagésimo segunda edición con el largometraje de animación Persépolis, codirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.

Persépolis, que se presentará en la Sección Oficial fuera de concurso, está basada en la historia personal de la propia directora, que cuenta cómo creció en un régimen fundamentalista islámico que la llevaría a abandonar su país para vivir en Francia y desarrollar allí su carrera artística.

La película es la adaptación del cómic del mismo nombre creado por Satrapi a finales del año 2000 y que consta de cuatro volúmenes. Dicha serie ha obtenido, además de un considerable éxito de ventas, diversos premios en los Salones del Cómic de Angouleme y Barcelona, entre otros. El largometraje adapta los dos primeros álbumes: desde su perspectiva infantil, cuando Marjane tiene diez años y es testigo de los cambios sociales y políticos con el comienzo de la república islámica, tras más de 50 años de reinado del Sha de Persia, hasta el inicio de su adolescencia con el trasfondo de la guerra entre Irán e Irak.


Póster de Persépolis

La versión francesa que se proyectará en el festival, cuenta con las voces de Catherine Deneuve y su hija Chiara Mastroianni, en los papeles de la madre de Satrapi y de la protagonista respectivamente, así como la de Danielle Darrieux como la abuela. Persépolis obtuvo el Premio del Jurado en Cannes y, recientemente, ha sido elegida para representar a Francia en los Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

También, fuera de concurso, se proyectarán: Lo bueno de llorar, de Matías Bize; Lo mejor de mí, de Roser Aguilar, proyección especial homenaje a la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC) y La zona, de Rodrigo Plá.



En torno a un total de veinte largometrajes, compitiendo o fuera de concurso, conformarán una Sección Oficial que que se completa con los siguientes títulos:

14 kilómetros, de Gerardo Olivares (España, 2007)
Away from her, de Sarah Polley (Canadá, 2006)
Bikur Hatizmoret, de Eran Kolirin (Israel, Francia, 2007)
Bushi No Ichibun, de Yoji Yamada (Japón, 2006)
Centochiodi, de Ermanno Olmi (Italia, 2007)
Ensemble, c'est tout, de Claude Berri (Francia, 2007)
Die Fälscher, de Stefan Ruzowitzky (Austria, Alemania, 2007)
Heile Welt, de Jakob M. Erwa (Austria, 2007)
Mogari no mori, de Naomi Kawase (Francia, Japón, 2007)
My Blueberry Nights, de Wong Kar-wai (Hong Kong R. A. E, China, Francia, 2007)
Oviedo Express, de Gonzalo Suárez (España, 2007)
Plac Zbawiciela, de Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze (Polonia, 2006)
El prado de las estrellas, de Mario Camus (España, 2007)
Razzle Dazzle, de Darren Ashton (Australia, 2006)
Tres corazones, de Sergio Renán (Argentina, 2006)
Le voyage du ballon rouge, de Hou Hsiao Hsien (Francia, Tailandia, 2007)
XXY, de Lucía Puenzo (Argentina, España, Francia, 2007)

Junto a las proyecciones de Sección Oficial, hay que incluir las sesiones a concurso de Tiempo de Historia. Punto de Encuentro y La noche de corto español. Sin olvidar los ciclos dedicados a Alberto Grimaldi, Cine a juicio, Los efectos especiales o Los diseñadores del vestuario español que irá acompañado de la exposición Vistiendo los sueños, abierta al público en la Sala Municipal de Exposiciones del Teatro Calderón durante los días del certamen.

En esta edición se verán programas de la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC), así como las prácticas de la promoción 2007 de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de Madrid (ECAM).

El jurado de la 52ª edición de la Seminci estará compuesto por la actriz argentina Marta Bianchi, el actor valenciano Toni Cantó, el compositor barcelonés Xavier Capellas, la productora brasileña Iôna de Macêdo, la directora del Festival de Cine de Troia, Fernanda Silva, y el director polaco Wiktor Grodecki.

Bajo Las Estrellas, de Félix Viscarret

Bajo las estrellas, de Félix Viscarret. 2007. ★★★★★ 07/07/2007. Cines Ideal.

Zodiac, de David Fincher

Zodiac, de David Fincher. 2003. ★★★★★ 25/04/2007. Kinépolis.

David Fincher prosigue labrándose una carrera impecable desde que hace poco más de una década estrenara su segunda realización (me niego a aceptar como buena su aportación al declive de la saga de Alien), la extraordinaria Seven. Desde entonces, apoyándose en unos guiones más o menos brillantes, ha encadenado un póquer de títulos que están por derecho propio entre lo mejor del cine norteamericano actual y nada hace indicar que esa magnífica racha esté en peligro de llegar a término.

El estilo visual de Fincher se desmarca de sus contemporáneos que, como él, se iniciaron en el peligroso campo de los videoclips musicales. A Fincher le sobra talento para la narración cinematográfica, para la composición de planos majestuosos y para la recreación de ambientes y atmósferas turbias e inquietantes y con Zodiac, una vez más, vuelve a demostrar que ocupa merecidamente un lugar de privilegio entre los directores más interesantes del momento.

Zodiac está basada en hechos reales. La tópica coletilla no es precisamente garantía de interés y/o calidad pero Fincher sortea este peligroso obstáculo, la ajustada fidelidad a unos hechos no modificables, con la habilidad y la pericia de todo un maestro para acabar haciendo suya una historia tan alejada en un principio de sus trabajos anteriores (Zodiac decepcionará profundamente a quienes esperen encontrar una suerte de continuación de Seven), sin que nada se pierda en el camino.

Adaptando el libro del periodista del San Francisco Chronicle, Robert Graysmith, sobre los crímenes del llamado asesino del zodíaco, personaje que despistó por completo y jugó con la policía de San Francisco en la década de los setenta (soberbia la referencia a Harry El Sucio), la película de Fincher ofrece un recital de ritmo en sus dos horas y media largas de duración. La progresiva obsesión del protagonista por desvelar el enigma se muestra con la adecuada y necesaria pasión para que el espectador se involucre con él, se obsesione con él y sufra con él, en un torbellino de información, datos, nombres, fechas que amenaza constantemente con la saturación pero que nunca la supera.

En el capítulo interpretativo, Fincher extrae grandes interpretaciones de todo el reparto, en especial de los muy brillantes Mark Ruffalo y Robert Downey, Jr. y refleja admirablemente una época que parece cercana recalcando las pequeñas grandes diferencias con el presente y cómo las limitaciones tecnológicas de entonces afectaban decisivamente a la investigación policial. Teléfonos móviles e internet no estaban de moda en los setenta y cosas aparentemente triviales hoy en día se transforman en caóticas en la pantalla.

Enmarcadas por dos grandes planos aéreos, el director intercala un puñado de secuencias antológicas, unas basadas en la brillantez de la realización y otras en la de la interpretación, que no hace falta señalar aquí y que el espectador podrá identificar y disfrutar llegado el momento en esta fascinante película que mantiene muy alto el listón puesto por su director.

El Buen Pastor, de Robert De Niro

El buen pastor (The good shepherd), de Robert de Niro. 2006. ★★★★★ 22/04/2007. Kinépolis.

Banderas De Nuestros Padres, de Clint Eastwood

Banderas de nuestros padres (Flags of our fathers), de Clint Eastwood. 2006. ★★★★★ 06/01/2007. Kinépolis.